Aube: Feed the Fishes
Farmers Manual: FSCK
Aphex Twin: Come to Daddy
東大寺僧侶: Buddhist Chant of Shuni-e Ceremony, Todaiji
Christian Marclay: Records
Bjork: Homogenic
Jean Michel Jarre: Oxygene 7-13
Claire Laronde: Lumiere de l'instant
武滿徹: The Film Music of Toru Takemitsu
武滿徹 Toru Takemitsu: Orchestral Works III
葫蘆推薦武滿徹作品表
Xenakis: Electronic Music
Miles Davis: Dark Magus - Live at Carnegie Hall
Miles Davis: Live/Evil
Michel Redolfi: Detours
Aube: Aqua Syndrome
Autechre: cichlisuite
何訓田: 央金瑪
King Crimson: Epitaph
Haruomi Hosono, Tetsu Inoue, Atom Heart - HAT: Tokyo - Frankfurt - New York
General Magic & Pita: Live and Final Fridge
Akita Masami 秋田昌美: The Prosperity of Vice
Nomad: 天唱
Christophe Charles: Undirected 1986-1996
Speedy J: public energy no.1
John Zorn: New Traditions in East Asian Bar Bands
大友良英／島田雅彥: My Dear Mummy
Electric Ladyland III: Electric Soul for Rebels
Bisk (Naohiro Fujikawa): strange or funny-haha?
Steve Reich: Works: 1965 -1995
Cecile le Prado: Le Triangle D'incertitude
Jerome Noetinger: Gloire a...
Joel Chadabe: Electric Sound: the Past and Promise of Electronic Music
李皖: 聽者有心
譚盾: 九歌 Nine Songs: Ritual Opera
Various Artists: Deep Concentration
Escape Velocity: Cyberculture at the End of the Century
Mason Jones: Ongaku Otaku, no. 2, 1997
Brian Eno: A YEAR with swollen appendices: Brian Eno's Diary
Ryoji Ikeda 池田亮司: 1000 fragments
David Tudor: 3 Works for Live Electronics
Takashi Yoshimatsu 吉松隆: Pleiades Dances
Martin Simpson/吳蠻: Music for the Motherless Child
Lena Willemark/Ale Moller: Agram
Ketil Bjornstad/David Darling: The River
Elaine Radigue: Biogenesis
Autechre: Chiastic Slide
Autechre: Envane
Nikhil Banerjee: Morning Ragas, Bombay 1965
Nikhil Banerjee: Raag Rageshree, Live Concert Series 3
David Toop: Ocean of Sound
Ryoji Ikeda 池田亮司: +/-
Fujikawa Naohiro: Bisk > Time
三輪真弘: Rotkappchen - Begleiter
Keith Jarrett: Mysteries - The Impulse Years 1975-1976
Miles Davis: Another Bitches Brew
Miles Davis: Live Around the World
Merzbow (秋田昌美): Music for Bondage Performance 2
Pete Namlook: AIR III
Aphex Twin: The Richard James Album
Aphex Twin: "Girl/Boy" EP
澤井一惠／高橋悠治: 澤井一惠 plays 高橋悠治：The Wind is Calling Me Outside
Granular Synthesis: Motion Control
細野晴臣: Love, Peace & Trance
Future Sound of London: Dead Cities
Future Sound of London: My Kingdom
Autechre: Tri Repetae
Storm of Drones: The Sombient Trilogy
Swarm of Drones: A Sombient Continuum
Robert Rich & Lustmord: Stalker
進念二十面體: 山海經
Sato Osamu: Transmigration
Tanzmusik: Sinsekai
吳蠻 Wu Man: Chinese Music for the Pipa
吳蠻 Wu Man & Ensemble: Chinese Traditional & Contemporary Music
Aube
Feed the Fishes (Crash 010 C-35) (97.12)
誰能抗拒這麼可愛的包裝設計？
手工打造的卡帶綑在
藍色透明圓形塑膠玩具小魚後面
限量一百五十套 （九六年出版）
「餵魚！」自然又全是用水的聲音加以處理
內容多變化但並不突出
強的部份也不刺耳
放在背景聽挺合適
原創 好玩 實驗 可愛 地下 好聽 前衛 聰明
誰說不能放在一起？
中島昭文的典型作品
★★★
Farmers Manual
FSCK (Tray 2) (97.12)
奧地利的實驗電子樂組
（參考他們的怪異網站Farmers Manual）
九十九首短小電子雜音曲段
有的有拍子有的沒有
有的像舞拍子有的像跳針
有的是 analogue 有的像數位音裂
自由
無意識
散漫
新鮮
豁達
★★★★
Aphex Twin
Come to Daddy (Sire 31001)
不想多說
又好像不能不說
現在
還有誰同時
能寫出這麼美的旋律
能有這麼多愛心（在恐怖的外表之下）
能把老媽的「理查，你的機器真多！」的錄音放在歌裡
能用電子聲音打出這麼強猛但又靈活的節奏
能有這麼多聲音設計花樣包括彈珠落盤之聲
能用法國現代音樂霸權機構研發的最新軟體作舞曲
能在音樂裡放進這麼多真幽默（還有人有幽默嗎？）真聰明
別誤會了
這不是舞曲
甚至不是聰明舞曲
這就是原創音樂
就是那種當今極為罕見的東西
（封面的藝術傑作完全吻合音樂內容）
★★★★★
東大寺僧侶
Buddhist Chant of Shuni-e Ceremony, Todaiji (日本 King Record KICC5215)
八世紀傳下來的佛教懺拜儀式音樂
不像一般佛教聲明 (shomyo) 音樂的祥和
比日本其他各宗聲明更加撼人
導師與眾僧間快拍子的激動應和對唱
眾僧急踏地板的亂步強音
今天聽來是那麼的前衛
像是剛錄的 musique concrete
像是實驗劇場
你絕對猜不到他們
只不過是在
向觀自在菩薩懺悔
日本 King Record 的這一百三十碟民族音樂系列
張張選材及錄音都是上乘
本碟唯一可惜是在音樂廳
而不是在東大寺的儀式現場錄音
★★★★★
Christian Marclay
Records (1981-89) (ALP62CD)
christian marclay 是
最早認真「玩」黑膠唱片的人
或說最早凌虐 LP 唱片的音樂家
或說最早嚴肅探索 LP 唱片這個媒體的前衛藝術家
現在的少年 DJ 們的小把戲小花樣
十多年前早被人先玩過了
技巧更高超地玩過了
marclay 上承四五十年代的法國具象音樂
和五六十年代 john cage 及 stockhausen 的聲音拼貼
連著七八十年代的前衛裝置藝術傳統
下接九十年代的 DJ 藝術
所以說
為什麼大友良英或 DJ Spooky 虐待唱片並不新鮮
因為都是很老的老套
為什麼有些東西是真正前衛藝術
因為它的好處在數十年後才被流行時尚發覺
★★★★★
Bjork
Homogenic (Elektra 62061-2)
不要
我的小 diva
不要再用這種僵硬的節奏配樂師
這種呆板的鼓聲採樣
不要光依賴巴西的弦樂配器師 Eumir Deodato
雖然他還跟二十幾年前蟬聯排行榜時一樣的棒
不要
不要
不要告訴我們流行音樂不再有奇蹟
★★★
註：參看 Musician 雜誌 97-12 期對她錄製此碟經過的詳細報導
Jean Michel Jarre
Oxygene 7-13 (Epic EK68009)
二十年後的這第七到第十三段氧氣
接著 1976 年的黑膠唱片上那前六段氧
時光似乎沒有毫厘前進
歐陸迷幻電子舞曲新世紀的獨特風格故意沒變
依然是 2600, VCS3, AKS, Mellotron 等類比式樂器
完全徹底爽滑銜接
只不過聲響更豐厚了
節奏更強烈
Jarre 完美的臉蛋
更增了份成熟
而我們呢
再給我一口氧…
★★★★★
Claire Laronde
Lumiere de l'instant (EMEI EM961)
自音樂出來的第一秒鐘
就完全被吸引住
年輕無名的法國女作曲家/舞蹈家(1962生)的 electro-acoustic 聲響
遠勝過近年所有學院派的 electroacoustic 具象電子音樂
包括歷年各種大獎的獲獎作品
音色來源已不重要（石頭及其他）
前所未聞的聲音如泉湧現
絕對是當今學院具象電子音樂界的超級新星
★★★★★
武滿徹
The Film Music of Toru Takemitsu (Nonesuch 79404-2)
就像人們常說的
來的太遲 太少
日本唯一一位作曲大師的重要作品
死後才首次在全球發行
選曲荒唐之至
最重要的「切腹」和「砂之女」配樂
居然沒選到重要段落
而「利休」等次級作品卻佔大篇幅
經典作「怪談」也沒收入
找不到老電影帶子再來聽這張唱片吧
★★★
武滿徹 Toru Takemitsu
Orchestral Works III: Autumn, etc. (Denon CO-18032)
武滿於九六年去世後
幾張新出的唱片都沒有重要作品
也是武滿近十多年來作品重複性太高的原故
聽著 CD 往往不知已從一首曲子跳到了下一首
其實這並不打緊
我們要的也就是那種特別的味道而已
不是一首旋律一個曲式一個結尾
向來不喜歡他的尺八琵琶與交響樂的作品
包括著名的 November Steps
這兒第一首 Autumn 也一樣無奇
其實武滿在音樂史上真正的成就
（很少有樂評人點出過）
就是能完全不用日本傳統樂器 尤其日本旋律
而自創表達出自己傳統美學精髓的音樂
回頭想想全世界各國的作曲家裡
要能作到這點的還真想不出幾個呢
或許只有 Cage 吧
A Way A Lone (1981) 本是弦樂四重奏
這兒的弦樂團版顯得太笨重 拖泥帶水
張力懸疑和細部質感盡喪無餘
不如聽 Arditti Quartet 1988 年錄的最佳版本
收在 "Musing Zone I: Works by Toru Takemitsu" （日本 Fontec CD3254)
此曲緊扣人心弦
讓人得美學上的亢奮
雖然風味與 Schoenberg 無異
（參考荀伯格的弦樂四重奏）
另外兩首 I hear the water dreaming ('87), Twill by the twilight ('88)
都在不知之中開始
又在不覺之中結束
只能說是手法高超吧
武滿的音樂最精華的都在他的弦樂裡
愛極了他那完全
吸入拉威爾德布西魏本荀伯格
郤吐出纖細而又震憾
如風
如砂（記得砂丘之女嗎）
如水
如雲
如氣
如光
如影
如夢
如四季
如造化
如生命
的純粹日本美
武滿徹一生顯赫於全球前衛音樂界
而到這幾年才被附庸風雅的大眾發覺
又是借電影音樂之力
記得九四年見到大師
在他的電影音樂紀錄影片發表會上
神采依然飄逸
並笑談介紹爵士樂風的最新作品
不料竟於九六年成仙
不知說什麼…
只是眼前
忽然浮現
大片日本青綠竹林
不見人跡
獨聞眾竹幹錯雜地低喚著
武滿
武滿
武滿…
★★★
葫蘆推薦武滿徹作品：
●CD:
1. Quatrain; A Flock Descends into the Pentagonal Garden 小澤征爾、波士頓 (德國 DG 423253-2) 管弦樂代表作
2. Works of Toru Takemitsu IV: Music of Tree (日本 JVC JVCD1009) 收錄了早期具象音樂及電影「怪談」配樂，武滿音樂的另一面
3. The Film Music of Toru Takemitsu (美國 Nonesuch 79404-2）收錄了重要電影配樂，如砂之女、切腹，等等。
4. In An Autumn Garden 《秋庭歌一具》(美國 Varese/Sarabande VCD 47213）新創雅樂形式作品全部六段完整的錄音。原來只有日本 JVC 的 LP 唱片版，後由美國的小公司以 CD 形式出版。（不易買到）
●LP:
1. 雅樂《秋庭歌》．旅（琵琶） (日本 DG/Polydor MG2457) 傳統樂器代表作品
●電影配樂：
1. 切腹 Harakiri（小林正樹，1962）
2. 砂ソ女 Woman in the Dunes（敕使河原宏，1964）
3. 怪談 Kwaidan（小林正樹，1964）
4. 心中天網島 Double Suicide（篠田正浩，1969）
5. 亂 Ran（黑澤明，1985）
●LD 影碟:
1. Music for the Movies: Toru Takemitsu (Sony SLV 67167) 武滿及眾導演談他的電影音樂作品
●文選：
1. Confronting Silence: Selected Writings (Berkeley: Fallen Leaf Press, 1995) 武滿眾多著作中唯一翻譯成英文的
●紀念文集：
1. 武滿徹ソ世界（日本，集英社，1997）
Xenakis
Electronic Music (EMF CD003)
還在禮拜日本的噪音音樂嗎？
不如聽聽噪音音樂的真正前輩吧
絕版了幾十年的經典唱片
終於發行 CD
Xenakis 在 1960 年左右的歷史性作品
如 Concret PH, Orient-Occident, Bohor 等
重見光明
要感謝美國電子音樂基金會
大師是在大戰時耳朵受傷
所以他作品特別吵
高音域常常強得難受
不過現在耳朵被搖滾和舞曲炸壞的小朋友
反而應該可以輕易的接受
從 1957 年的具象音樂
到 1992 年的電腦音樂
這兒都有代表作品
至於作品內容及評論
請參見各大前衛音樂教科書及樂史書
★★★★★
（不是我的意見，是歷史的）
Miles Davis
Dark Magus: Live at Carnegie Hall (Columbia C2K 65137)
幹嘛花錢去買日本噪音當傻蛋？
放上這張重新發行的1974年在卡奈基廳的實況
打開超低音喇叭
把音量扭到最大
在等鄰居叫警察來之前
先享受全身通電的快感
Miles 高潮期代表作在日本以外首次發行
演奏及錄音遠遠超過次年在日本的告別演奏 (Agartha, Pangaea)
廣告中吹噓的數位化重新母帶製作這次真的比原錄音好
從唱片包裝到團員 Dave Liebman 的解說都是上乘
只聽搖滾樂的朋友可以嘗試什麼叫做真爵士搖滾（有三支電吉他！）
只聽 Kind of Blue 的爵士朋友應該聽聽 Miles 解放後的絢爛之美
讓自己耳朵仰浮在全部加上娃娃效果器的黑人靈魂濃湯裡…
★★★★★
Miles Davis
Live/Evil (Columbia C2K 65135)
日本以外沒 CD 且 LP 絕版已久的重要唱片
與上張同系列的重新母帶製作再發行
音質確比原 LP 唱片好（原 CBS 錄音奇差）
Miles Davis, Keith Jarrett, John McLaughlin, Jack DeJohnette, Airto...
本世紀美國音樂史上最重要的三個天才
這個台上就有兩個（John Cage 不在）
別的還用說嗎
Jarrett 能用一個壞掉的電鋼琴鍵作即興
是他最 funky 的時期（包括他的大爆炸頭髮）
白紙上起丘壑的全體純粹即興演奏真功夫
一九七０年十二月十九日晚上
Miles 晚期音樂美學宣言（並不是那張 Bitches Brew）
完全 LIVE 完全 EVIL
完全鑽入黑人音樂的最核心…
★★★★★
Michel Redolfi
Detours (Mirage MM303)
眾多學院派電子電腦音樂家裡
居然也會重感情
音樂也要求好聽
也懂得追求美
又能保證筆法完全原創的人
恐怕唯有法國的 Redolfi 了
這位尼期電腦音樂中心的住持
早年以用 Synclavier 創作出名
後來獨創水底音樂
在全球各地的游泳池中演奏
聽眾必須潛水聆聽
想聽水底的女高音
無重懸浮的呼喚嗎
可是這次作曲法不只是噱頭
而真的是創造出了新美學
跳過了所有當今濫用水聲的俗套
專輯中也收了他其他作品
難得中的難得
註：這張唱片的包裝攝影都是一流的考究，在學院派出版中算是絕無僅有。而且還建議聽者用唱盤的亂跳模式播放，是少有的放得開。一九九六年在香港的國際電腦音樂節主辦人也特邀 Redolfi 創作和表演。可是當時忙著準備自己作品的演出，沒趕上那場在漂亮的清水灣的科技大學游泳池中舉行的演奏。遺憾。不過這張唱片現在各地發行中，也可從電子音樂基金會直接郵購到。
★★★★★
Aube 中島昭文
Aqua Syndrome (Manifold CD15)
不須否認
是為了包裝才買這張唱片的
限量一千張
透明塑膠外套夾層中
裝了
淡藍色的水
而唱片就躺在當中
無比的漂亮 可愛 好玩
音樂主題當然也純是水
中島昭文最愛的聲音原素
可不像以往 Aube 水作那麼用音量震憾人心
這次音質纖細
頗堪把玩
又聽不到俗濫的水波聲
而結構嚴謹一如往常
經由無限反覆和 delay
達到最高點
Aube 改用數位錄音後
作品音響效果昇級
媲美學院派出品
這是 「designer 聲音藝術」
註：可在 Manifold Records 網站直接郵購（所剩似不多）。
★★★★
Autechre
cichlisuite (Discipline Global Mobile 9607)
藝術史上
每種風格成熟後總會
進入所謂 mannerism 期
Autechre 的新小唱片就正在這個階段
一年之內三張新唱片 亳不鬆懈
大師風範！
剛走過雜音風格 (Chiastic Slide, Envane 見前期評論)
立刻很明智地轉舵
回到類比式音色的老本行
再加上極短小的新電子顆粒聲拉成的長音
有時聽來像玻璃珠的碰撞
應該就是吧
沒啥特別旋律
很多小而碎的拍子
情緒沒有起伏
聞之不能起舞
觀之不見風景
只有光影
一切都是 抽象化了的
素色的
純理念的
聲響世界
★★★
何訓田
央金瑪 (飛碟 18768-2)
出污泥而不染！
閉著眼別看作曲家充當導演拍的 MTV
扯掉唱片公司漂亮死了虛偽極了的包裝和文字
握著這張數位金碟
在手中化作一把金剛杵
向漆黑無底的內心深處拋去
用淚水汪汪的眼睛
看著它在黑暗中
★★★★★
King Crimson
Epitaph (Discipline Global Mobile 9607)
一九六九年未發表的現場錄音正式曝光。
年代久遠，青少年不宜。
★★★★★ (for groupies only)
Haruomi Hosono, Tetsu Inoue, Atom Heart
HAT: Tokyo - Frankfurt - New York (Rather Interesting 037)
東京的細野晴臣 Haruomi Hosono
法蘭克福的 Atom Heart
紐約的 Tetsu Inoue
縮寫成 H.A.T.
Ambient/techno 的新鮮口味
迷幻 有勁
沒有俗套 cliche
聽到一半
嗶嗶剝剝的電子節奏
嘰咀咕哇的濾波器調變之間
赫然出現爵士電鋼琴 solo
活像正宗爵士搖滾
Herbie Hancock 二十年前的那張
黃金專輯 Thrust
細野近年出品
步步向前
張張傑作
註：這張 HAT 原由細野自己的唱片公司 daisyworld 在日本發行，海外由 Atom Heart 的 Rather Interesting 發行。唱片製作過程參見九七年二月號日本 Keyboard 雜誌專訪 (非美國的 Keyboard) 。
★★★★
General Magic & Pita
Live and Final Fridge (Source Records 960125)
也就是奧國的 Rehberg 和 Bauer
解放後的音樂
無聲不可入樂
這裡是用冰箱的聲音為主
然而在無意識流的
不可名狀的聲響循環外
又有激烈的純舞曲節奏
沒錯 多半是冰箱的聲音
節奏 拍子 4/4
似乎是保持理智與完全荒繆之別
最後的法寶
數十年前音樂先知說過的
音樂噪音化的預言
此刻正在世界每個不知名
而又創作力強的角落
被實現著… 迸發著…
★★★
Akita Masami 秋田昌美
The Prosperity of Vice, The Misfortune of Virtue: Electro-Music for Romantica (i IRE2022)
Merzbow 用本名出唱片？！！罕見！
這張是為日本劇團 Romantica 在九六年演出的 Marques De Sade 寫的 The Prosperity of Vice, The Misfortune of Virtue 舞台劇作的配樂。
這次音樂比平常的 Merzbow 唱片容易聽。因為共分十八小段，而且採用的音源範圍和表現度很廣，從流行音樂到西藏音樂（不過用得很沒創意），到豬聲，而不只是用他平常的超級縱慾的純電子雜音。
跟 Merzbow 以前的作品相比，此碟並沒有什麼突破。只不過他對聲音的玩弄仍然是比其他人高明太多。
★★★
Nomad
天唱 (風潮 5209)
一眼就可看出這是「阿姐鼓」後衍生出來的東西。不過跟這股潮流跑並沒什麼不好，只要音樂內容好…
整個製作方向、表面味道雖頗類似何訓田的「阿姐鼓」，但在氣勢上、音樂旋律的感性和原創性上、編曲的自由奔放上、及主唱人聲的個性表現上，郤完全無法與何訓田的作品相比。主要原因之一是因為是此輯為多人合作，沒有一個統一完整的概念性。不過總體來說，創作水準（水平吧）仍出人意料之外。
最突出的，也最動人的是第一首、第三首和第五首：「天唱」，由世上獨一無二且不為人知的佛教搖滾樂隊「自覺樂隊」領導人浩翰作曲；「香拔拉天堂」由楊春林作曲；「格桑梅度」中史志有的曲子配上簡單的中國箏和簫，氣質極佳。這三首曲子呈現的深遠寧靜，和超然了悟，必須是胸中早有完整內在音樂世界的作曲家才能譜出的，也是中國人音樂作品中極為罕見的特質。而就實際方面來說，它們的調子好聽，也真的能在人耳中繞樑三個星期！
政治上比較敏感的聽者（或是西藏流亡同胞們，或是英國的國際特赦組織及美國的 "Free Tibet" 那類人）可能要叫嚷了：中共強權意識型態、剝削少數民族文化、錯誤扭曲呈現西藏音樂，諸如此類…雖說以上都對，但這兒先不想談這些問題。
關於近幾十年來大陸的藝術家不斷地規避對自己文化的翻新，而向邊陲地帶文化逃竄，本站前期已囉嗦過了。況且，向西藏文化的「逃禪」現象，全世界都一樣，不必獨戳中國大陸的音樂家。倒是有些純音樂問題比較嚴重。
第一，經中共「統一」後了的中國女聲唱法，不論是陝北、廣西、還是四川的民歌，聽起來都一個味道。到底是中國民間傳統還是西洋美聲唱法的「土版」？天知道。這張唱片裡二位「卓瑪」的歌聲，僵硬乏味，令人反感，而且完全沒有任何民族或個人個色。這跟讓董文華（「血染的風采」）或任何一位中國女高音來唱有什麼差別？
第二，同樣跟音色有關的：咱們中國人不大會用電子樂器的音色。世界上稍有水準的音樂家都從來不用電子鍵盤上的預設樂器音色 (presets)，都要自己或請專人來設計。反觀咱中國人郤總是在重金買到最新的 Korg, Roland, 或 Yamaha 的合成器後，就得意忘形地用起原廠預設的音色，開始錄音。另外，在中國還有所謂「midi 音樂」的這種怪東西！其實， midi 只不過是一種通用的電子樂器介面規格，不能成為一種音樂！從沒見過外國人說自己在搞 midi 音樂的。也就基於這種對電子樂器的不了解，對器材機器的不能駕馭，中國樂壇就常常製造出許多貽笑大方的唱片，例如這張「天唱」中到處都可見的合成的弦樂、bell 聲和 conga 聲等等。還有就是 sequencer 編曲機的死板節拍，在這種重靈性的音樂中是最最忌諱的，但第二首的「雪頓曬佛」就是這麼用得讓人受不了，馬上要按鈕跳到下一曲。這類例子充斥在台灣和大陸的新音樂錄音中，刺耳已極；也是讓這類製作給人格調不夠高，無法打進國際樂壇的原因之一。
另外，咱中國人出這些唱片時，在外包裝上總是寫滿了各種吹噓錄音效果如何先進之類的詞句。騙騙可憐的外行消費者和「腦袋發高燒的朋友」還行，但要打動真正愛樂者的心，只有反效果。新推出的唱片，新的樂人，要看的還是音樂內容！世界他國也多半在重新發行大師級的收藏版唱片時才搞這些噱頭。
像這張「天唱」，在包裝上胡吹了一套錄音技術，但在音色運用上及混音上郤作得不太專業。在全面音域的分配上，中高音較弱，唯獨加重討好發燒友的低音域；這跟「阿姐鼓」的致命傷好像是如出一轍。
要是這些編曲家及製作人等能再在音樂製作上多下功夫，前途將是光明的！
★★★
Christophe Charles
Undirected 1986-1996 (mille plateaux 33)
多媒體光碟這種出版媒體形式已經出現多年了，也早已深入大眾家庭中；甚至可說光碟已經過氣了，早被網路取代了。奇怪的是，本來在尚未發明及普及前呼聲極高的形式，郤一直沒有人利用它去進行藝術的創作；而似乎永遠停留在境界不高的遊戲和意義不大的參考資料上。
不錯，是有些跟藝術或音樂沾得上點邊的光碟問世，如 Peter Gabriel, Laurie Anderson 的，或本站介紹過的音樂及多媒體混合光碟 (Enhanced CD)，不過這些玩意兒說穿了根本是生意人的噱頭，完全沒有藝術上的創新。
單就這一點來看，Christophe Charles 的這張多媒體藝術音樂光碟就值得大大賀彩。雖然多媒體藝術在學院內外已經都是當下前衛藝術的主流，但是把前衛藝術放在人人都可買得到、可買得起、可以有機會 access 的、不佔空間的五英吋大小的形式上，這還是頭一遭吧！
這張 CD 的音樂部份是約六十分鐘的 soundscape （聲音風景）。用的素材有各種自然界的聲音，鐘聲鈴聲，日本銀座，中國杭州，德國漢堡的魚市，印度加爾各答的街聲等等。都放在 Akai S1000 和Kurzweil K2000s 兩部採樣器及 DAT 錄音機中，用 Max 軟體（一種現場互動電腦音樂常用的程式語言）或普通的 sequencer 來控制。聲音自由的進進出出聲音舞台，沒有明確的形式架構或起伏，一切都很隨機隨緣。換個聽法，也可以說音樂沒什麼特色，因為，雖然用了各地不同的音源採樣，但聲音特性多半被大量的效果器的運用淹沒掉了。整個作品的感覺是輕輕的，淡淡的。
這張 CD 特別的地方是它的多媒體部份：放入 Macintosh 電腦的光碟機中，你可以打開一個 Max 軟體的 runtime （只能跑別人的程式，不能自己編輯的意思），然後打開這個作品的互動控制介面（有點像本網站主畫面的介面，因為那也是 Max 的程式）。按下中央的方鈕後，程式就會開始自己跑起來：各種聲音的採樣（也就是 CD 音樂部份相同的那些音源）會交互重疊出現，而另一視窗中會有作曲家在各地表現的畫面及相關照片不時的變化顯現。
一般人可能不知道這一部份是完全可讓用者控制的。幾乎所有控制聲音的變數都可以調變（用鼠標拉著數值上下滑動）：如速度，音長，音高，音源選擇範圍等。如果你沒用過 Max 的話，可以試著做下列這些動作來完全改變聲音的產生：加快曲子速度 (tempo)，尤其到二百以上，比較會有明顯精彩的效果；變化音源選擇範圍的寬度，以增加聲音變化的廣度（共有 256 種採樣吧）；加長聲音出現的長度，以免聲音過早被切掉；把移調變數改為０，等等。
看出來了吧？這個毫不起眼、乾巴巴的程式介面，實際上就是一個前衛音樂的大混音器 (mixer)！！只要你會玩，是完全可以搞出非常瘋狂的音樂的！
這張多媒體唱片的出版是一個遲到太久的突破。對於不熟悉當前電子電腦前衛音樂到底是怎麼搞出來的朋友，這也是一個非常難得的，可親手操作的入門機會。
★★★★
Speedy J
public energy no.1 (Plus8 066cd)
好幾年前在掃描純種 techno 時，發現荷蘭的青年 Speedy J (Jochem Paap) 不同凡響，除了力度外，還有特殊的敏感度。但是這幾年來，他的主要兩張專集 Ginger 和 G Spot 都十分的單調重複機械化，頗令人失望。
如今，Speedy J 脫胎換骨，推出一張風格大變的 public energy no.1。以往血氣方剛的四四拍子的類比鼓節奏，完全消失了；代之的是完全 Autechre 風格的、經過他新買的荷蘭製造的一部罕見 vocoder 的 distortion 處理過的抽象節奏音型，偶而加上 ambient 風的背景長音。有些奇妙的音聲，真想不出是怎麼做出來的。
音樂精神同時剛猛和幽暗；同時的麻辣和清涼。音聲變幻及曲式摸不出路數，非常耐人賞玩。錄音混音效果也特好。把 techno 從舞曲帶入純聲音藝術的境界，真此中極品！
從這張唱片，同時也可看出整個「聰明舞曲」或流行電子音樂將來的走向，也就是趨於「噪音化」「雜音化」：就像 Autechre, Fujikawa (Bisk) 及 Merzbow 的 Scumtron 等新作（見本站評論）中反映出的黑人 hip-hop, trip-hop 之類玩「低科技」「低傳真」聲音實驗與日本人的純噪音實驗的大匯合的風格。另外，也實現了 John Cage 在一九三四 (?) 年就預言的：將來，noise 會像樂音一樣，成為構成音樂的主要成份。六十年後，這前衛的趨勢終於走到流行音樂裡…
★★★★
John Zorn
New Traditions in East Asian Bar Bands (Tzadik TZ7311)
聽聽這十年前的作品「蝴蝶」，可以讓我們想到很多東西…
Orientalism（東方情調） 這個可鄙的意識型態也是一個很有意思的東西。它是一把兩刃同樣鋒利的刀子。洋人好此調調是有明顯的原因的。而另一方面，本來任何有血性有知識的東方人（甚至洋人）都會瞧不起它的，但就是有非常多的東方人自己對洋人東方情調之下產生的玩意兒反而十分喜好。這就像國際的好萊塢百老匯式機器（不限美國）作出來的不東不西四不像的噁心玩意兒，或是亞裔洋人寫出來的極其扭曲東方形象的垃圾，反而在東方人自己的俗文化圈中大行其道。在政治上，這就像是中國人愛告洋狀的心態。噫，可憐，中國人直到今天還是在看洋人臉色行事。
似乎只要外國人稍為碰到了一點中國的東西，就能讓國人樂個老半天的。歐洲的 Enigma 盜用了台灣原住民的人聲，讓台灣人雖然氣憤他侵犯版權（實為人權），而另一方面郤又暗地自豪。（不過咱們就事論事，就從音樂上來說，Enigma 就算盜用，有麼不好的？自己的傳統不知重視，死抱著也不會研發。許常惠自己就說採到原住民音樂後壓製的那第一版唱片一千張至今還沒賣完。Enigma 能改編成讓全世界男女老少都朗朗上口的俗曲，中國人又作得到嗎？）
至於 John Zorn 現象也甚是奇妙。此兄今 (1997) 年一月與 Mori, Patton 在美國本土的現場演出時 (at Slim's, S.F.)，有一老兄，不知是大醉還是頭腦太清醒太懂音樂，在演奏中及曲間完全寂靜中都不斷向台上貼切地叫罵四字經 (Fuck you!)；當時只見 Zorn 面色至窘，狼狽地偷瞄了 Patton 一眼（不用看 Mori，反正天塌了「彼女」也不會有任何反應的），但不敢作出任何表情，乖乖地繼續吹奏。幾天之後，據說該團到亞洲某地繼續巡迴演出時，不知是巧合還是契合，台下又有當地人對台上叫國罵三字經的，而 Zorn 這次面對黃種人郤大膽地以三字經回罵，當地的小青年們居然有因此而覺得 Zorn 好棒的。嘿！這種被賤虐者與虐待者的關係，Zorn 對不同種族觀眾全然不同的態度，這好幾種角色的不同心態及相互關係，著實耐人尋味、能令理論激盪。
話說回來，Zorn 的這一系列搞東方女影星的玩意兒也不過是西方滿街遍地的 orientalism 的一個小例子罷了。如果有人說，這會不會是一種反諷式的 orientalism ？可惜，不是，他沒那麼 sophisticated 。記得一九八七年在紐約看他同系列中另一作品「阮玲玉」的首演。用既不創新也不高明的「遊戲理論」，以卡片指揮一堆即興樂人和兩三個女唸白手；效果不彰，就連紐約那批愛裝世故、前進、全身黑裝的藝術迷也不為之所動。
這張唱片包括三個作品：中國的蝴蝶，韓國 Hwang Chin-ee 的和越南的 Que Tran。後兩首因為語言不通，音樂又極不起眼，這兒也就不說了。且說「蝴蝶」這首，由 Arto Lindsay 寫詞，Zhang Jinglin 唸白，再配以 Bill Frisell 和 Fred Frith 的電吉他。Frisell 和 Frith 都是超高水準樂手，他們的音樂配在任何東西後邊，都不成問題，都能烘托出氣氛；而這氣氛在這兒就是最重要的。張小姐的唸白還行，但她的中低音被調得出奇的過份強，很不 professional。（居然是小野誠彥混的音！）
而「蝴蝶」這曲真正讓人感動的是 Arto Lindsay 寫的超現實又荒謬的詞（聽過的人都同意，包括曾擔任過此曲唸白的另一位小姐也這麼告訴我），有些像 Alain Robbe-Grillet 的文風，頗堪玩味，尤其是譯成似通非通的中文，再以誇張的朗誦法唸出來後。
當然，這些分部雖然好，沒有一個作曲家 Zorn 來整合是不可能有這個作品的。其實我個人覺得這類作品能成功的原因，倒不在詞或音樂本身的內容好壞，而在這個形式本身，也就是混入文學因素的現代音樂。這種既容易表現，又容易成功的創作形式，中國人自己是不是該多多利用？
★★★
大友良英／島田雅彥
My Dear Mummy (creativeman disc CMDD-00034)
大友良英是日本目前的地下派音樂家中腦筋最清楚，最靈活的一個。
他的長處在於多變，能變（四下看看，這並不容易作到）：從玩採樣的 The Night Before the Death of the Sampling Virus ，到與 Carl Stone 的通信混音剪輯合作 Monogatari ，到以現場即興加採樣的「革命京劇」，到他在世界各地演出的暴力唱盤和吉他現場。
當然大友的音樂並不都是成功的，都是「好」的。很大一部份充其量只能說是「敢作敢當」而已。而在現場表演時，也多利用驚嚇手段，讓觀眾想：嗯，那個 Technics 唱盤會不會被他整壞掉？他怎麼捨得把那張老黑膠唱片和那把吉他砸碎了？等等，只是玩弄大家的腎上腺素分泌罷了。
而這張不同於以往，首先是加入了故事敘述成份。這是把島田雅彥寫的一個人用餓死法自殺的小說故事唸白配上音樂的一個 project。但不只是構想新鮮，音樂部份執行的也好。
除了電吉他，打擊等一般樂器外，早期的電子樂器 ondes Martenot 用的也非常好，甚至優美。另外，加入日本雅樂的主奏樂器：笙，篳篥，龍笛，運用得也很貼切。大友好像告訴了自己和聽眾：除了刺耳的聲音和暴力的態度以外，輕柔的悅耳的音樂加上概念上的 design 也可以是完全前衛的。這可能是他最大的突破。
並不是我偏愛加入文學因素的前衛音樂，實在是前衛音樂走到今天，在純器樂演奏上（尤其是算來算去就那十幾種的樂器的即興演奏上）早已拖得超過了它應有的存活期！人聲唸白對音樂有畫龍點睛的效用，這是連 house/ambient 音樂家都早體會到的事實。
另外，自殺者自殺過程日記的唸白由日本詭異紅星佐野史郎擔任，更增強了故事的神秘氣氛。
一流的概念，一流的製作，一流的唱片包裝。
★★★★
選輯：Electric Ladyland III
Electric Soul for Rebels (Mille Plateaux)
Electric Ladyland 是德國的 Mille Plateaux 唱片公司出的三張系列選輯唱片，標榜所謂「抽象 hip-hop」。
一流原創的封面設計用東方拼貼，而鮮明的中共、越共形象，在當下用 Adobe Photoshop 軟體搞出來的封面設計充斥的舞曲唱片架子上更是搶眼。
大約二十年前爵士鋼琴手 Horace Silver 在 Downbeat 雜誌上批評 Miles Davis 的新唱片 Get Up With It 時，說 Miles 開始胡搞了，只會在節奏 (beat) 上亂加些不相干的東西（說他沒旋律和聲的意思）。不幸 Silver 老兄完全不懂黑人音樂的真正靈魂所在：從這幾十年流行音樂的發展來看，節奏就是黑人音樂最重要的生命，甚至可以到 ganster rap 的只要 beat 而完全放棄音樂其他要素。而 Miles 在二十年前就抓準了這一點！
如今的抽象 hip-hop 只要是還用了黑人味道的四四拍子的節奏採樣 (drum loop) 也就可以算是了，至於上面加上什麼東西的採樣拼貼都無所謂了。其實這種音樂態度是非常的正面，且解放人心的，因為它開擴了各種可能性，把流行音樂的路子直直拓寬到前衛音樂的領域。很多人不知道，從黑人小孩子玩的唱片 DJ 法到法國正統的具象音樂之間，實際上已經有一條高速公路打通了（參考目前 DJ Spooky 的地位）。 這個第三張的 Electric Ladyland 選輯就是非常的自由，鬆散。常常有極為夠力，夠猛的作品（音量，音樂及意識型態上）。如 Alec Empire 的 Cities of Light，而 Si Begg 的 Nothing is What I Want 更是此中精品，野到了極點，在舞廳裡或客廳或臥室或發燒友的試聽室中都同樣能讓人發狂。
輯中雖也有很多俗不可耐的爛作，不過這種選輯本來就是聽聽它的可能性就夠了。
美國黑人的樂魂，可不擇地而出，可不擇形而化身…
★★★
Bisk (Naohiro Fujikawa)
strange or funny-haha? (sub rosa SR118)
Fujikawa Naohiro 繼九六年的傑作 Time （參見本站評論）之後剛剛推出的第二張專輯。
這張比第一張自由得多，不論在節奏和音色運用上都是（很少有固定的四四拍子）。音樂中露出典型的日本式的神經質、荒繆感和細膩感。能用極為通俗的樂器聲（如節奏機、傳統的馬林巴等）搞出徹底創新的曲子，是藤川的風格特色。
完全脫俗、絕對抽象的 post-techno/post-electronica 。讓你眼前浮現出一部下世紀初年的日本前衛電影…
藤川的概念、vision、和技巧都超越同行十年以上，更能不駐足流漣於自己過去的風格中。了不起！
嗯…等著他的下一張…
★★★★
Steve Reich
Works: 1965 -1995 (Nonesuch 79451-2)
才六十歲就可以「封箱」的作曲家 Steve Reich 是當代音樂最重要、少數最原創的藝術家之一。一生作品能完全納入如此一小方盒中，對今天的聽者來說真福音也。另外，這也是歷史性的一刻。
不過對此十張 CD 大全集我不能毫無保留的推薦。因為 Reich 在一九七八年出版的 Music for 18 Musicians 後就不斷重復自己（像他的作曲法一樣），不能再突破；而且又不斷的巡迴演出，自己把很神秘、強而有力的超級概念性純藝術音樂世俗化了。加上整個所謂極簡主義潮流的雅痞化、學院化、正統化…（不想說了…）總之，如果 Reich 在一九七八年就封筆不再創作，他在音樂史上的地位不但完全不會受到任何影響，在樂迷心中的地位反而會更高些吧... :-)（參見本站「仍然失望盤」對最新作品的評論）。
不過從這個角度來看，透過這一整套唱片，可以看得出一個創作者創作路程以及整個樂壇、時代的變遷。
另外一方面，為了省錢，Nonesuch 唱片公司不願向其他公司買原始錄音的版權，而自己重新錄了某些作品；如 Drumming 和 Music for 18 Musicians 等。並不是我懷舊，實在是新的版本跟老的絕對無法相比。早期成名作 Drumming 原始的 Deutsche Grammophon 公司在 1971 年的錄音就比新錄音有力，音響和演奏皆然。中期經典作 Music for 18 Musicians 的原始 ECM 公司的 1978 的錄音也比新錄音讓人興奮的多多。這原因很簡單，除了以前是用類比式 analog 機器錄音，比現代的數位錄音音色溫暖以外，最主要就是當時的錄音裡演奏者對音樂本身都還保有極高的新鮮感興奮感，因為在那個時代，這些都是最最前衛同時又極端 spiritual 的作品。而今，在同一批人組成的樂團在全世界演出了數百場以後，音樂中的精神已經蔫了，更別提時代精神都變了。
已經喜歡 Reich 的樂迷應該買這套唱片。不熟悉他的朋友，建議你們分開單張的買 Come Out / It's Gonna Rain （初期傑作，電子音樂經典，Nonesuch 已重新發行 CD，叫 Early Works），Drumming （DG 原 LP 錄音已絕版，Nonesuch 新版錄音有單張 CD 發行），和 Music for 18 Musicians （原始 ECM 錄音有 CD 版仍在發行中）。之後的作品呢，不值一聽。
★★★★★
Cecile le Prado
Le Triangle D'incertitude (IRCAM 005)
這是純粹的、傳統的、學院派的具象音樂。
所謂「具象音樂」(musique concrete) 也就是用自然界或人類發出的聲音（樂器以外）作為原始素材而以各種錄音及音響手法加工製作出的現代音樂。在四０年代末由法國人 Pierre Schaeffer, Pierre Henry 等人首創。
此曲在全球現代音樂樂壇的霸權中心－－法國巴黎龐畢度中心的「現代音樂聲響研究中心」IRCAM製作並出版。由於 IRCAM 平常並不支持甚至扼止具象音樂的研發，這張唱片的出版是很稀罕的。雖說是因為惡霸官僚 Pierre Boulez 自己不喜歡具象音樂，但這點其實很可笑，因為法國對當今現代音樂的唯一貢獻就只是具象音樂。〔關於這個現代音樂的惡勢力背後的各種政治鬥爭的黑暗內幕，請參考最近出版的博士論文：Georgina Born: Rationalizing Culture: IRCAM, Boulez, and the Institutionalization of the Musical Avant-Garde (Berkeley: University of California Press, 1995)。〕 當然此曲跟 IRCAM 真正扯得上關係的主要是作曲家 Le Prado 採用了他們研發的空間動態控制 (spatialization) 軟體。
女性作曲家 Le Prado 的這首「不確定的三角」是指以法國、愛爾蘭和西班牙沿海三地構成的三角地帶。聲音的原始材料就是這塊地區的海上採集來的，有海水、汽笛、海鳥、船員無線電通話、馬達等等的聲音。
由於是在 IRCAM 製作，錄音及混音的音響效果自然沒話說。可惜本來是八聲道的環繞聲音裝置藝術作品，現在縮混為二聲道，藝術效果大打折扣。
在當今充斥各唱片行的具象音樂作品中，此曲算是很突出的，首先音響品質比一般半業餘的製作好得太多，又有一流的聲音跑跳 (spatialization)，另外，雖然對聲音素材本身並沒有作什麼扭曲改變，但透過組織拼貼而呈現出的幽暗而不可捉摸的海上生活的味道，幾乎就在你臉皮上和舌尖上。
★★★
Jerome Noetinger
Gloire a... (Metamkine 005)
法國的 Jerome Noetinger 單槍匹馬的創了自己的 Metamkine 音樂出版公司，大力鼓吹非學院派的具象音樂 (musique concrete) ，向正統學院派挑戰，令人欽佩。關於他的背景，請參看一九九七年三月號的 The Wire 雜誌。
Metamkine 公司出版的「耳朵電影」系列，都是三吋的小唱片。每張只收一個作曲家的一首作品，長度約二十分鐘。是很能讓人專心欣賞作品的格式。
不過這個系列中的作品有很多是比較差的，比如 Herve Castellani, Jean-Marc Duchenne 等人的作品都另人無法，也不想回味。但偶有佳作，如 Elaine Radigue 的曲子（見本站前期評論）。
這張Gloire a... 是老闆 Noetinger 自己的作品。以海灣戰爭中的聲音為主而作成的具象音樂拼貼。雖說在技巧上，在概念上， Noetinger 沒什麼創新之處，但在聲音本身製作上，還頗有可取。
總括來說， Metamkine 公司目前的成績不是很令人滿意，但是它的確為反傳統的具象音樂開了一條路。不過，「反」並不只是在意識型態，在製作技術上「反」，得要在音樂內容成果上「反」才行。
Metamkine 公司出版的唱片，可由美國的 Forced Exposure 公司郵購。（見本站強力聯網）
★★
Joel Chadabe
Electric Sound: the Past and Promise of Electronic Music (New Jersey: Prentice Hall, 1997; US$33)
（書評）
美國電子及電腦音樂作曲家及紐約州立大學教授Joel Chadabe的新書 Electric Sound: the Past and Promise of Electronic Music並不是唯一的一本介紹電子音樂歷史的論著，但是它的確是讀起來最有意思的。原因是 Chadabe 本人是學院派電子音樂發展史中的一員，所有世界知名的作曲家都是他的朋友。這本書主要也是由他和一百五十多位重要作曲家間的談話、訪問及通信的內容串成的。所以讀者不僅能了解電子音樂史上各樂派的來龍去脈（如具象音樂，錄音帶音樂，電腦音樂，自動音樂，互動音樂，合成器，另類控制器，等等），在每一段落都有作曲家自己現身說法的引文。這是任何同類書中找不到的。Joel Chadabe 也是全世界唯一推廣電子電腦音樂的公司／網路 Elelctronic Music Foundation 的創辦人。各位可以直接從他們的網址郵購這本書。
如果要讀一本比較傳統、更加全面的掃描電子及電腦音樂的發展史及理論的書，這兒推薦此行中公認的教科書：Peter Manning: Electronic & Computer Music, 2nd Edition (Oxford University Press, 1993; US$24).（為避免誤會，在此再一次聲明，電子音樂或電腦音樂不是中國人所謂的 「midi 音樂」。）
★★★★★
李皖
聽者有心 (北京：三聯書店, 1997)
（書評）
中國人沒什麼樂評，大陸台灣皆然。原因不外乎：聽音樂的人需求不夠，作音樂的人度量不夠，評音樂的人膽量不夠，樂識更更不夠。（不過台灣「另翼岸譜」 bbs 版上某些高手寫的東西大有可為。）因此找到這本今年三月剛出版的純樂評小書，著實興奮，甚至感動。
難得的是作者身在武漢這樣地方的環境中，郤能對外界樂壇能有如此的掌握。更不易的是他對不同的音樂有如此的深層反思。真「有心」之人也。
本書評論內容大部份雖僅限於大陸港台和歐美的流行音樂及搖滾樂，但敢說真話，常一針見血。對大陸流行樂壇的幕後運作有深入分析。
也有對所謂樂評這一行的諷刺。比如『樂評素描』一篇是這樣開頭：「樂評可以沒有批評，還可以不談音樂，這是大陸的發明創造…」
★★★★
譚盾
九歌 Nine Songs: Ritual Opera (CRI 603)
幾十年來許多中國大陸現代藝術家都躲藏在老大中國疆域的邊陲地帶文化中（如雲南、西藏、新疆等地），逃避而不敢正視漢人文化的創新。一方面借用這些根本是外人的文化素材，而名義上國籍上又站在邊境的這一邊，是很可笑的窘態。這個現象在八十年代的現代繪畫和音樂裡都再明顯不過。雖然政治環境的限制是一個因素，但也不能全歸罪於它吧。
單從這點來看，譚盾對「楚文化」認真的反芻與再現就值得賀彩。
八十年代初，譚盾、瞿小松、周龍等幾個出自中央音樂院的作曲家在光禿禿的環境裡創作出的作品贏得世人的矚目和好評。而這裡頭外界期望的成分相當的高。當今的洋人對文革後的新一代中國藝術家的期望，就如同當年對貝聿銘，趙無極，周文中那一代的期望是一樣的。在此順便一提（還個公道），早在七０年代就同樣的傑出地開創了中國現代音樂新語言的那一輩台灣年輕作曲家（如賴德和，李泰祥，許博允，溫龍信等）就沒有這樣的好運，因為， who cares?
受到國際重視的結果當然免不了就是出國留學：保送哥倫比亞大學，到周文中教授門下。這時懂音樂的人都替他們擔心了。沒有賴以發育的祖國土地的滋潤，能不能再推出好作品？
譚盾來美以後聲名大噪，大約是與個性有關吧。在美國出名很容易，尤其是在紐約。不過他在數年後再回中國開演奏會時，居然是毀譽參半，並遭到了評論家扣以「以土唬洋，以洋唬土」的帽子。這是一頂可怕的帽子，令所有搞非傳統東西的人都提心吊膽。這個指控其實也並不全對。
這首「九歌」是譚近年來的代表作，他以他最喜好又拿手的人聲叫唱為主，打擊及其他傳統器樂為輔，從屈原拉到湖南民樂，探索自己楚文化（尤其是其幽暗巫鬼的元素）的根源。在意境上題材上的追求之決心令人欽佩。這裡塑造出的境界，就像是中國文化裡一個偏遠而從未被人發現的黑山洞。創作者亳無要把它大眾化，庸俗化或去將就別人討好模式的意思，這種藝術良心是這個作品最難能可貴之處。
手法上，全篇氣勢撼人，以自創之自由奔放的人聲喊叫吟唱，有字無字，有腔無腔地演出這場「巫戲」。譚對於中國語言、方言的反省及實驗性處理是史上少有的。
中國樂器如琵琶、嗩吶、笙等的部份都含蓄淡雅而不落俗套。大量的抽象唱腔和韻白部份也寫得很細緻，一聽就知道是下過很深的功夫雕成的作品。
雖偶爾有些人聲部份隱約冒出英文詞句，稍刺中國耳朵，但作為一個要常在外國演出的國際製作，也無傷大雅。
唯一遺憾的是現場大音樂廳舞台般的錄音效果，十分簡陋，像是用兩支麥克風錄幾十個人（只是比喻，應該是多軌混音過的）。很多音色及音樂細節都流失了。
從這個網頁可聽到九歌的 RealAudio/AIFF 片段。
★★★★
Various Artists
Deep Concentration (OM Records)
這是跟另外一張 Mushroom Jazz （見本站評論）一樣的 CD 和 CDROM 的組合包裝。音樂 CD 部份是無名樂手的選輯，號稱是 "the future of experimental hip-hop"，實窮極無聊，像是十幾歲的黑人小孩子玩取樣器搞出來的東西，談不上有太多創意。聽完一遍後，拿去當茶杯墊也就可以了。對真正有實驗性、靈活的 trip-hop 有興趣的朋友可以去聽層次高得多的 Electric Ladyland III 選輯（見本站評論）。
這三顆星是給那互動光碟部份的。一流的圖形介面設計和程式設計，是這種便宜光碟中少見的。電腦 mixer 可以讓你過過當作曲家或是 hip-hop DJ 的癮。同時可以混四個音軌，電腦鍵盤反應速度還算很靈敏。Cool!
★★★
Mark Dery
Escape Velocity: Cyberculture at the End of the Century (New York: Grove Press, 1996)
（書評）
還有什麼書會同時涵蓋到所有當今 cyber 文化中的最前鋒又最有影嚮力的觸角：近十多年美國最有創意的前衛藝術團 Survival Research Laboratory，日本的前衛電影「鐵男」，虛擬現實，cyborgs，等等等等…？
不錯，時下寫 cyber 文化的書一堆高過一堆，但幾乎沒有不是拼湊些空洞的趕時髦的句子，吹捧一些大家都已經知道的地下名人。而 Mark Dery 與其他所謂文化觀察家不同，他眼光極銳利，對新文化的各層面都有深入的省思（前幾年在 techno/ambient 音樂還不為美國大眾熟知時，Dery 就在 Keyboard 雜誌上寫過很好的全面介紹），而且資料搜得完整，文筆又好…
這本書是所有關心現代科技次（及未來主流）文化的人必讀的。在此不多說，請直接看看這本書的網站…
★★★★★
Mason Jones ("Trance")
Ongaku Otaku, no. 2, 1997 (San Francisco)
Mason Jones (號 "Trance")是美國舊金山灣區的吉他手噪音音樂家，同時也是美國對日本噪音最有研究的樂迷。他自己一手創辦編寫的雜誌，不僅是世界上難得的日本噪音音樂資料來源，簡直就可以說是一本本的專書，不是雜誌。
Ongaku Otaku 的第一期已經出了好幾年，現在終於出了第二期，內容更加充實，有 Aube ，非常階段的 Jojo，大友良英的專訪，作者自己的日本遊記，還有大批大批的唱片評論－－都是出自 Mason Jones 一人之手！不過 Jones 老兄是典型標準的日本狂 (Japanophile)，整本書裡都可見到他對日本的一切的喜愛，包括日本的販賣機。正因為此，他的樂評難免有失公正，褒多於評。但不論如何，噪音音樂迷不可不讀。
★★★★
Brian Eno
A YEAR with swollen appendices: Brian Eno's Diary
(London: Faber & Faber 1996)
〔書評〕
能出版日記的人一定不簡單。每天的生活都要有內容到能讓全世界分享。
不管你喜歡不喜歡 Brian Eno 的音樂（我就完全不喜歡），同意不同意他在樂史上的地位（我也不同意），這本日記都有其可讀性。為什麼？因為 Eno 是社會名流（誠 celebrity 也），他每天的交往也是樂界名公。其中記錄很多音樂圈中的生活細節，包括他製作 U2 和 David Bowie 唱片的過程。
書的尺寸是現在最流行的可愛小本子。很適合作為「廁所文學」。我自己還沒讀完，大概還須要好幾個早晨吧... :-))
★★★
Ryoji Ikeda 池田亮司
1000 fragments (CCI CCD23001)
這是池田亮司的第一張個人專集。總括來說，沒有第二張「 +/- 」的緊湊與完整性（見本站前期評論）。專集總結了池田早期用採樣拼貼的創作手法，並透露了後來完全 minimalistic 精簡風格的純粹類比合成的風格。錄音和剪輯仍是那麼的日本那麼的潔淨明晰。
★★★
David Tudor
3 Works for Live Electronics (Lovely Music 1601)
九六年八月剛去世，享年七十歲的美國音樂家 David Tudor 是世界電子音樂大師，也是最被人忽視的電子音樂作曲家。原因是他為人太謙虛，不愛出風頭，這在西方現代音樂界是絕無僅有的例子。
Tudor 原為鋼琴家，多年來一直是 John Cage, Karlheinz Stockhausen, 和 Merce Cunningham 的老搭擋；Cage 一九五二年的名作「四分三十三秒」就是由 David Tudor 首演的。Tudor 自從開始搞電子音樂以後就放棄了鋼琴演奏，專心創作。他最拿手的就是用自己設計的電子線路，或是連接許多現成的吉他效果器，造成一種電子網路，多半是用線路自身的反饋振盪做音源而加以調變，而不用頻率產生器或外來的音源。他的音樂多是現場即興偶發的，而「讓聲音自己說話」也是他的招牌哲學。
記得大約是一九九五年我在加州的 Mills College (美國電子音樂的重鎮，San Francisco Tape Music Center 為其前身) 聽到他的新作「神經網路」(Neural Network) 的發表。高大的舞台上只有 Tudor 一人坐在擺滿了亂七八糟的電器的大桌後。台下聽眾四周的八個獨立聲道揚聲器發出了難以形容，一般合成器絕作不出的各種聲響。且不論 Neural Network 在電腦理論上的複雜度，單就聲響效果來說就嚇壞人。演奏完了，全場起立激烈鼓掌許久不斷，這在前衛音樂界是罕見的。之後，我和其他作曲家一起到台上向 Tudor 致意，並一窺他聞名的自製電子器材。只見一部老的 RadioShack (美國的廉價電子器材店) 混音機，幾個 Sony Walkman，一堆連音樂家都看不懂的電器，和幾個廉價的效果踏瓣。老先生身體略佝僂，滿頭白髮，但卻神采飄逸，風度不凡，和藹地和人交談。
這張重新發行的專集是一九七六年到八四年的創作，可作為 Tudor 一生的代表作。這兒的聲音都不是一般合成器可作出的，非常實驗性。不好聽，也不想要好聽，郤是電子音樂發展史的重要記錄。現在是我們重新認識電子音樂史，補修這個學分的時候了。
★★★★
Takashi Yoshimatsu 吉松隆
Pleiades Dances (Denon CO-18002)
不要想些世紀初的歐洲作曲家
不要想那個美國鋼琴即興神童
不要想雅痞愛聽的一種輕柔樂派
不要想在唱片行裡應該放在那一區
不要受到封面女詮釋者照片的影響
直覺地聽吉松的音樂
正視作曲家的心
把屋子裡的燈全關掉
讓外面滿月的月光像
紫外線探照燈似的射在地板上
興奮而不知要做什麼
在房間與房間之間遊蕩
（註：吉松隆是日本新出頭的自學作曲家。現代嚴肅作曲家很少敢大膽放手去寫擺明了優美，而又能保持崇高藝術性的音樂，吉松是個極少數。他的音樂不原創，不很特別，但非常真，非常忠於自我。是用來聽的，用來感覺的，不是想的，不是要證明什麼的音樂。）
★★★★
Martin Simpson/吳蠻
Music for the Motherless Child (Water Lily Acoustics CS-49-CD)
吉他與琵琶的搭配是前所未聞的。唱片一放，出來的聲音令人一驚。啊…如此的清涼！
印度錄音師 Kavichandran Alexander 以極挑剔的錄音方法聞名。他在自己的 Water Lily Acoustics 公司出版的唱片都是在南加州聖塔芭芭拉的一個老教堂，用他特別訂作的麥克風及真空管前級擴大機和類比式磁帶錄音機錄製，絕不用數位式機器。
然而此公郤有一怪癖，愛把互不相識的樂手放在一塊即興合奏。這次得到葛萊美獎世界音樂提名的那張中國二胡家陳潔冰和印度電吉他手 Bhatt 和一個美國的斑鳩琴手的合作唱片，就是這樣搞出來的。
對這種把樂手們丟到一堆就開錄音機的作法，實在無法苟同。因為這不是爵士樂，爵士樂家都有共同的語言和天生具來的即時創作能力。在此令人想到一個類似的情景：Keith Jarrett 在 1975 年被製作人 Manfred Eicher 丟到錄音室給小喇叭手 Kenny Wheeler 配鋼琴。沒合作過，沒排練過的那次不愉快的搭配結果郤迸出美好的火花，那次的錄音 (Gnu High, ECM1069) 也成了七十年代爵士樂的巔峰作。但他們那是什麼等級的藝術家…
回到這次的「盲目約會」，名不見經傳的美國吉他手 Martin Simpson 自己說在錄音那晚之前從不認識吳蠻，也沒聽過她的音樂，錄音就從晚上七點錄到夜裡兩點半。
北京的琵琶家楊靜日前過訪柏克萊，聽了這張唱片，雖然對前兩首的氣氛非常讚賞，但聽到第三首「陽春白雪」就覺得不對勁了。這也就是問題的癥結所在：音樂家對彼此的音樂傳統完全沒有認識。更可悲的是：也沒有心要認識。音樂絕對不是一般人說的「世界的語言」，這是用心聽過世界音樂的人都知道的事實。
整個錄音中，琵琶總是處於被動的地位，不太確定音樂的走向，而吉他又是一股腦的奏著美國自己的鄉土或是藍調。這兒暴露出一個基本問題：中國的演奏家跟西方古典音樂演奏家一樣，多半是別人音樂的詮釋者，不能充當音樂創作者。
另外，中國樂器與西洋平均律樂器調律上的細微差異也是一個大問題。再者，藍調五聲音階與中國五聲音階的音樂意義及用法完全不同，不能作為這樣一個合作的唯一交集 (meeting ground)。
這種「當拉維香卡遇見曼紐因」式的牛頭對馬嘴的所謂民族融合音樂，只能突顯種族之間因為無知更因缺乏了解意願而生的十九世紀式的東方異國情調主義 (orientalism)。
想想 Miles Davis 為什麼能融合那麼多種音樂呢：就因為他耳朵好。什麼時候音樂家能放下樂器，真心地聽聽別人的音樂，那世界音樂的融合就有望了。
（關於吳蠻其他的新音樂唱片介紹，請參考本站前期評論）
★★
Lena Willemark/Ale Moller
Agram (ECM 1610)
很奇怪地這張北歐專集和前一張 Mari Boine 的在同時推出（完全不同的出版管道）。瑞典女歌手 Lena Willemark 是以上一張專集 Nordan (★★★★★ ECM 1536, 1994 年) 成名。
Nordan 這個團最大的特色就是 Ale Moller 一流的傳統樂器（如提琴，笛和魯特琴）的演奏。前一張 Nordan 的成就大家有目共睹，正歸功於 Moller 的各種樂器演奏。但這張新作郤失去了從前的可聽性，主要是因所選曲子暴露了傳統瑞典音樂的僵硬，難怪北歐人都從來不聽自己的音樂。不過 Lena Willemark 和 Ale Moller 對音樂的掌握仍是世界一流的。（Nordan 這個團目前正在美國巡迴演出）
★★★
Ketil Bjornstad/David Darling
The River (ECM 1593)
台北的樂友前陣子都有幸聽到了這個二重奏。這張剛發表的錄音是九五年錄製的。
北歐的 Bjornstad 不是個很出色的鋼琴作曲家，但近幾年的表現看來，音樂詩感強，沒有大起大落，但是在 ECM 後起之秀中是極少數有足夠深度而又不造作的。這張專集大部份都是 Bjornstad 的曲子，Darling 的部份很含蓄。
誠懇，深邃，不掩飾的美。Powerful。
★★★★
Elaine Radigue
Biogenesis (Metamkine MKCD019)
Elaine Radigue是法國的前輩電子音樂女作曲家（繞口！）。曾在五十年代作過 electroacoustic 音樂鼻祖 Pierre Henry 的助手。Radigue 在一九七五年出家修習西藏密宗，四年後才重返樂壇。從此作品精神性更強。一九九三年我在柏克萊的電子音樂中心 (CNMAT) 聽到她來發表一首近作，全曲只有古董 Arp 合成器的單一長音的細微變化及最後輕淡的西藏音樂的採樣。曲長超過一小時，席中鴉雀無聲（多半是作曲家），音樂既「精」且「神」，異常感動。
Radigue 的唱片極不易得，除了在 Lovely Music 公司出的 Mila's Journey 外，只有這張奇怪的法國三吋迷你 CD，是一九七三年的作品。一貫的極精簡的聲音，這兒主要是如心跳般的超低音震動。悸動到後來漸漸快且亂，有心律不整的朋友請小心。這種超越時代的前衛，能讓今天搞 ambient/noise 的孩子們嚇一大跳。
★★★
Autechre
Chiastic Slide (Warp CD49)
就像所有的真正藝術家一樣，英國的 techno 二人團 Autechre 總是不斷地超越自己，毫不眷戀地往前走。因為他們嚴肅的藝術傾向，Autechre 的最新專集的推出總是 electronica 界的大事，而他們這次又不負眾望。
在研發出自己的成熟的 intelligent dance music 的風格之後，他們又實驗出一種加了許多雜音，具砂石感 (gritty) 的特殊風味。雖然曲子的發展有時過於緩慢，有些曲子太枯燥機械化，但聲音的多樣和新奇，鮮有能及者。此派電子舞曲的發展從站著蹦到坐著聽，到完全抽象，完全心靈化，真不可預測之奇蹟也。
★★★
Autechre
Envane (Warp WAP89CD)
Autechre 這張小唱片的風格和上面介紹的同時期大專集 Chiastic Slide 相同，但曲子之間的發展似有連貫性，氣勢逼人，節奏兇猛。且風格更加精練，有時加入 hip-hop 風味，有時用濾波器醜化節奏聲波，非常 intense，是新電子舞曲的另一里程碑。
★★★★
Nikhil Banerjee
Morning Ragas, Bombay 1965 (Raga 216AB)
傳統音樂原不屬於本網站的討論範圍之內。然而北印度正統音樂不是一般的傳統音樂（它是百分之九十九的原創音樂），再者 Banerjee 又不是一般的印度音樂家。所以，何妨？
Nikhil Banerjee 是當代最偉大的印度西塔 (sitar) 琴家（不是『之一』）。如此英才卻以五十五的年紀早逝於 1986 年，著實令人…
Banerjee 受人尊敬，不只是因為他奇美的旋律感和神仙般的技巧，更是因為他的人品。他的謙虛是眾人皆知的，我在大師去世前兩年也有幸目睹到他的風采。那天在柏克萊的演奏會，身著簡單的白長衫，戴著眼鏡的 Banerjee 準時登台，立即開始演奏。兩個多小時的紮實的 raga 演奏完了，觀眾起立拍掌，大師起身雙手合十鞠躬，然後立即離台，始終沒有說話。比較起來，『某位』國際知名的印度西塔琴『大使』，演奏前總是故弄玄虛，音樂氣質就跟他揚起的左腕上耀眼的大金錶一像平庸俗氣…
Compact Disc 的發明對我們這種印度音樂的癮君子來說真是『醍醐灌頂』：音質提高還是其次，主要是音樂長度可延至八十分鐘，而北印度音樂的一首現場 raga 曲子的長度通常在七十到八十分鐘之間。由於歷來各種錄音播音媒體的長度限制，北印度音樂曲子一直很慘地被剪成二十多分鐘以下的長度，完全無法重現音樂原來的韻味。（在印度，電台廣播一直是很重要的聽印度音樂的管道，就是這個原因。）
八０年代後期幾家唱片公司開始大量地以 CD 的形式發行大師們的現場錄音。在紐約的 Raga Records 這幾年以專出 Banerjee 的現場錄音著稱。這一套二碟是1965 年在孟買的一場早晨的實況演奏的完整錄音，全長共一百六十分鐘。錄音是由荷蘭人 van Lamsweerde，用高級設備（Nagra, AKG, Sennheiser）錄成，雖是單聲道，但以那個年代來說，效果是出奇的好。
我們在這裡可聽到 Banerjee 中期的風格（三十四歲），雖然他此時已鑽研西塔三十年了，但仍在嘗試不同的風格，還沒有像晚年那麼定型。演奏仍然略帶年輕的火氣，不似最後十年那麼洗練，超然。
不過，這個錄音最最特別之處是在它的現場氣氛。大約是由於在印度的習慣是音樂家和聽眾坐得非常近的關係，聽眾的反應都錄得很清楚。聽過北印度音樂會的人都知道，聽眾的現場反應是無比重要的。就如同我們的京戲一樣，如果全場是外國人，沒人知道叫好，那對音樂家及聽眾會比什麼都難受。而印度音樂尤甚：左右晃腦、掐指、揮手算板眼，在音樂家彈到動人的某個音符時（類似藍調音符）或是技巧驚人的樂句時，喉間還會發出讚歎的嗯聲，甚至叫好 －－這都是印度音樂會不可缺少的一部份。
第一首的散板：演奏者與聽者完全融合，幾乎是與聽眾的直接對話，這是在印度國外的演奏會不易見到的。
第二首照例是較抒情的 raga 這裡 Banerjee 的風格幾乎與晚期無異，令人驚歎他的早熟。
這場音樂會美中不足的是鼓手的技巧跟不上 Banerjee ，在激動時總覺得會拖累了 sitar。不過整體來說，還是一個極難得的歷史性錄音。至於入門者可能還是選擇下一張唱片比較合適。
★★★★
Nikhil Banerjee
Raag Rageshree, Live Concert Series 3
(Chhanda Dhara SNCD 70296)
因為北印度音樂的演奏百分之九十九都是即興的，每場演出的好壞差別甚大。由於曲目，搭配的鼓手，觀眾程度，靈感有無等等因素，即使是大師的演奏也會碰上乏味無聊的時候。Banerjee 的各種錄音室和現場的演奏我聽過的也有數十種，而這場大約是大師去世前幾年在倫敦的演奏無疑是最最精彩的。
這個錄音是一首長達七十四分鐘的 Raga Rageshree。完整沒被剪接過，演奏中琴弦和高音鼓調音的部份也還在，CD 也沒有分 track 的間隔。現場原味完全保存。
從此曲的散板部份的音型開展及長度看來，估計是這場音樂會的開場第一首大曲。 Raga Rageshree 是一首比較抒情，非常好聽的 raga ，但 Banerjee 的演奏是在整個曲子中都有一種壓住的澎湃情感。尤其是在開始的長達三十三分鐘的散板獨奏 (alap) 中，Banerjee 以極幽美的、深遠的方式慢慢從中低音域展現該 raga 的音階音型。在彈到高難度技巧的『拉弦』樂句時，還可聽到聽眾席中全神貫注的印度同胞在半秒鐘之內發出的驚嘆聲（如在十五分五十秒，及三十三分八秒處）。（西塔琴的演奏最特別的地方就是常常用左手『拉弦』而奏出旋音，甚至整個樂句；類似電吉他的拉弦滑音，但不是只在兩個音間作小音程的滑奏，而是多音的，音程可大到六度的多音樂句。）Banerjee 最厲害的就是他的這種超高速的拉弦 legato，其準其美，總是會引來台下一陣騷動。大師每次露幾手這種絕技時，總能在瞬間把聽眾直直超度到兜率天。
自鼓手加入後的中板 (gat) 開始，樂曲照例逐漸加快速度。在這首 raga 的快板，大師用了很特別的包含了一句八拍對六拍的複節奏反覆主旋律，把樂曲興奮的氣氛更抬高一階。樂曲最後在漸漸加快到每分二百七十拍左右的最快板高潮中結束。然即使在樂聲激昂時，也總能保持著一種統一連貫的壓抑的聖美氣氛。
大師當晚極端的 spiritual ，異常的 high。這是 Nikhil Banerjee 一生的巔峰作品，也是北印度音樂的最高境界。隨著年長一輩大師們的老去，北印度 sitar 音樂雖沒有後繼無人之憂，但年輕好手們如 Mukherjee 的低俗境界著實令人擔心，而年輕彗星 Krishna Bhatt 自從定居瑞士之後就不常演出及出唱片…
全印度數一數二的 Tabla 鼓手 Anindo Chatterjee 是大師晚期的固定搭檔，他在這晚的表現，伴奏與 sitar 配合的天衣無縫，而獨奏智彗、英猛、燦爛，但又不像 Zakir Hussain 那麼的賣弄技巧以至喧賓奪主。
此碟音響效果是我聽過最好的印度音樂唱片。錄音，混音，數位化及臨場感皆無懈可擊。在德國斯圖嘉特的 Chhanda Dhara 唱片公司多年來致力於出版高音質的北印度音樂，值得賀采。
強力推薦這張給有印度音樂癮的朋友。對於想認識印度音樂的朋友，這張錄音也是極佳的入門之道。（此系列第一、二張都不理想，請小心。）
★★★★★
David Toop
Ocean of Sound: aether talk, ambient sound and imaginary worlds (London: Serpent's Tail, 1995/96)
（書評）
David Toop 是英國最著名的當代音樂評論家、音樂記者，自己也是作曲家（參見以下他的新唱片 Pink Noir 評論）。 Toop 採用了一種極主觀的夢幻人類學的角度來看全世界各地近幾十年來最新冒出來的聲音。作者口味及樂識極寬廣，又沒有對某些音樂的成見，從 ambient, musique concrete, Cage, 爪哇的甘美朗音樂，中國的古琴，Varese, Hendrix, Miles, Stockhausen, dub, Hassell, 小野洋子, Terry Riley, sound art, Aphex Twin.... 以及太多太多， 都涵蓋到了。
由於是音樂記者之故（文章見於目前最好的新音樂雜誌：英國的 The Wire），作者採用了大量的第一手資料（與音樂家的訪問），描述自己聽音樂的心路歷程。音樂是一種超級主觀的藝術；這種真正把心放進音樂裡，和具有正確又豐富知識的第一人稱主觀音樂討論才是最有價值有看頭的，而不是三步一個註解、死巴著大牌理論家、畏首畏尾的學術性文章。不是嗎？
新的音樂藝術正在全球各地以極高速前進發展，而大多數熱愛音樂的中國人仍然在聽兩三個歐洲國家的十幾個作曲家在前兩個世紀寫的音樂，要不就是美日帝國的流行機器量產出來的廉價品。這本書及書中反映的對音樂的開放而認真的態度，正是我們迫切需要的。
註：配合本書出版的兩張一套的唱片選集，收集了各種各樣的新的、不新的音樂，也叫作 Ocean of Sound，由英國 Virgin 公司出版。對於奇怪音樂收藏不多的朋友來說，這是一個極佳的難得專輯。強力推薦。
★★★★★
Ryoji Ikeda 池田亮司
+/- (Touch T0:30)
這是藝術音樂
因為它令你警覺而非鬆弛
極端 minimalistic 的電子聲波
近二萬赫茲的不順耳高音正弦波
快燒掉低音喇叭的低音域脈衝
這是大腦神經網路的舞蹈音樂
這是超高科技的枯山水禪園
古舊的類比合成振盪
被清洗得一塵不染
仔細的擺在白砂上
這是給科學家聽的電影配樂
而電影就是示波器螢幕上的波形風景
這是下一世紀的民族音樂
不用日本音階和樂器
而表現出正統日本美學
（池田亮司是日本前衛電子音樂家，常與前衛多媒體藝術家合作，如國際知名的團體 dumb type。他的音樂完全不像別的音樂，讓你一時不能歸類，也不好形容。但個人風格極強，概念新穎。這是他第二張專集，九六年十一月出版。）
★★★★
Fujikawa Naohiro
Bisk > Time (Sub Rosa SR112)
你不會相信居然會有這麼有創意､這麼前進的『聰明電子舞曲』的。你可以感覺到歷史在慢慢地往前滑，Techno 這個剛年輕郤已老化了的形式已經在蛻變…
旋律和聲非常『戰後』
節奏異常 sophisticated，完全 post-Techno
讓我們以一百二十哩的低速滑下
鳥瞰二０二五年的『東京都』…
★★★★★
三輪真弘
Rotkappchen - Begleiter （小紅帽伴奏器） (Rhizome Sketch RZF1010)
三輪真弘是日本目前最紅的年輕一輩學院派作曲家。在德國留學時曾師事韓裔作曲家尹伊桑。
作為一個新音樂作曲家，三輪最特別的地方就是他會在每首作品中盡量嘗試不同的作曲法。雖然不一定都成功，但這是現代音樂創作者最少應該做到的。95 年我在東京舉行的日德兩國電子音樂節中，聽到一首了三輪的新作，是利用一部在跑著程式的 Macintosh 膝上型電腦感應現場的日本箏演奏，並以電腦說話的新技術，與箏產生對話。把 MacinTalk 技術用在嚴肅音樂中這還是頭一遭。作曲家對新技術的運用之快，另人佩服。
這一張專集收入了四首在歐洲時期的作品。可以看出三輪的主要作曲手法是用電腦程式對原始音樂素材加以分析，再以傳統樂器演奏出來，或是與傳統樂器進行對話。
『小紅帽伴奏器』：電腦程式分析女高音即時演唱的音高與表現強弱而引發程式中的邏輯 (algorithm) 並連動鋼琴（應該是山葉的 Disklavier 吧）來給次女高音伴奏。
曲子聽來與一般由鋼琴伴奏的十二音列調調的藝術歌曲無異。並雜有格林童話和分析音高用的機器的說明書，以及本曲曲目說明的德文唸白。作品效果有些幼稚（因為總是聽到白雪公主後母的魔鏡等等），不過分析音高的技術是我聽過的較高級的，其即時辨認和處理速度之快（包括觸發 midi piano 奏出的即時伴奏），是一般的『音高到 midi 轉換器』無法相比的。
『Dithyrambe』 是為祝賀友人婚禮而寫的作品。作品採用著名的日本能劇『高砂』中的一段曲調作為原始資料而由電腦程式對音高變化加以分析，再由程式控制三輪本人及妻子的人聲取樣 sample 的 playback 而成。
曲子由能劇的超低音域念唱開始，慢慢由電腦程式配上人聲的取樣，造成黏在能劇念唱之上或是拖在後面的效果。取樣人聲的聲部漸漸多起來（曲名就是古希臘的合唱團），並加以 pitch-shift 和濾波器的調變。最後聲部相疊漸多漸強到高潮階段，而在能劇的能管（笛）和小鼓及鼓手的吆喝聲中結束。
此曲概念新奇，而聲響效果也很特別。不過，這樣的結婚禮物當然不是送給一般的朋友的，普通的『新人』不被這種可怕的聲音組合嚇死，也要活活氣死。
Trodelmarkt der Traume (Dream Market) 有十二音調調的豎琴，藝術歌曲，錄到的車聲，小孩聲等等。算了，實在不值一提。
『Let us sing and pray to Pachamama』 是一首八重奏（如舒伯特的）。曲子用了一段玻利維亞的音樂作為素材，再加以電腦分析而產生總譜。重奏樂團在演奏的同時，也在台上用小錄音機同時反復播放那段玻利維亞的音樂。重奏部份就像千篇一律的十二音室內樂，而唱片聽到這兒，誰也受不了了，枯燥度已經超過了耐力的極限了！
從早在一九四０､五０年代的作曲家如 Cage 和 Stockhausen 的作品中我們就可以得到一個結論，也就是創新有趣的作曲法並不直接等於創新有趣的音樂。有多少在現代音樂教科書史書中佔據了重要地位的作品，在聆聽者的唱片架上卻完全沒有一寸之地。換句話說，很多作品是『能讀不能聽』。
當然，這可以看作是現代藝術的逐漸趨向概念化。不過更真實的情況是當代學院音樂完全的走入牛角尖，因為學院以外的音樂家已經可以很成功的作出概念和方法新穎，而又能在聽覺上滿足人們美學需要的作品。目前學院派的作品聽來都超不出本世紀初的新維也納樂派。別說現在一個博士生的作品與另一個博士生的作品分不出有什麼不同，就是某大師的曲子也和另一大教授沒有兩樣。如此，就算作曲方法完全不同，又怎麼樣呢？ 現今去聽一場學院派的現代音樂演奏會，總是非得閱讀大量的曲目說明文字才比較能進入音樂的世界，光靠耳朵聽恐怕很難有什麼感覺或印象。這張唱片不幸地就是很好的一個例子。
日本戰後現代音樂界已有完備、自成一格的電子音樂 (包括 electronic 及 electroacoustic music) 傳統（武滿徹、黛敏郎、高橋悠治、佐藤聰明、山下勉等），現在三輪真弘的加入主流學院派，勢必掀起下一波電腦音樂的熱潮。而他最熱衷的即時互動式 (realtime, interactive) 電腦音樂及程式作曲 (algorithmic composition)，正是時下歐洲美洲最熱門的新音樂方向。在日本尚不成氣候的電腦音樂看來就要冒出頭了。 如果你懂日文的話，三輪真弘的『Computer Age ソ音樂理論』是一部不錯的電腦音樂入門書（註：電腦音樂絕不非中國人通稱的 midi）。
★★
Keith Jarrett
Mysteries - The Impulse Years 1975-1976 (Impulse IMPD-4-189)
這二十年來親眼目睹象徵永無窮盡創造力的 Keith Jarrett 的藝術生命的老化，大概是他的知音們最心痛的事了。
在八０年代初，他的鋼琴獨奏會仍能如巴哈再世現場即興般地呼神喚鬼，仍然會虔敬地對聽眾朗誦 Robert Bly 或是 Rumi 的詩。然而之後的告別鋼琴獨奏，搞古典，重返鋼琴獨奏，改彈爵士老歌，一套接一套出版的老歌三重奏，都不能掩飾他原本無窮盡的創造力現已漸漸枯竭的事實。
九月底剛出版的這四張一套的唱片不是一般的舊帶重發 (reissue) ，因為它包含了十一首重未見過天日的當初選剩下的曲子 (alternate takes)。這不僅能滿足老樂迷的好奇心，更是造福新人類，能讓『沒有唱盤的這一代』有機會聽到這些絕版的錄音。
Jarrett 的美國四重奏 (Redman, Haden, Motian) 在七十年代前半的各種嘗試，憑良心說只是好壞參半。又因當時美國對原創性爵士樂的不重視（正值爵士搖滾大大流行），錄音混音水準低，加上那時美國唱片的製造品質低劣（MCA/Impulse 公司絕不會用處女塑膠原料壓片，封面設計說不出的爛），給人的印象自然無法與稍後由 ECM 制作的北歐四重奏 (Garbarek, Danielsson, Christensen) 相比。
不過，記得一九七五年嗎？就是 Jarrett 創作生涯的巔峰期：演出 Koln Concert 的那年（想想不也是美國流行樂､搖滾樂､爵士樂和前衛音樂的巔峰期嗎）。這四張唱片（兩個錄音檔期）記錄了這個美國四重奏解散前的最高成就。聽聽這四張唱片裡的 Shades of Jazz，Southern Smiles 和 Rainbow 這三首曲子，這是 Jarrett 自己都永遠無法再超越的即興藝術最高境界。整套錄音中完全不帶半句爵士樂的陳腔濫調 (cliche)。其中原創佳句之多，保證繞樑十日而不絕。尤其是 Jarrett 在他前妻 Margot 作的 Rainbow 這首曲子中的即興，樂思不是如泉湧，而是如猛浪般不停地打過來。即使在貝斯獨奏的時候，鋼琴的伴奏仍是一氣呵成地可以歌､可以泣。 而充斥於 Shades of Jazz 和 Southern Smiles 中的通體歡愉和狂辣則是 Jarrett 一生眾多的錄音中非常少見的。
Jarrett 的北歐四重奏固然優美動人，但他的美國四重奏郤洋溢著一種美國特有的奔放自由感，是北歐團無法相比的（即使是他們來紐約的現場演奏 Nude Ants）。其原因除了是在自己老家外，更因為團員都是代表了自由派的 Free spirits，尤其是 tenor sax 手 Dewey Redman（對，就是現在被生意人捧出來但郤沒有才華沒有特徵的 Joshua Redman 的親爹）。若從七一年起的第一張 Birth 聽起，就可察覺出他們四人之間有一種特別的 bond，一種默契，他們共同塑造出的獨特樂風是無法形容，無法取代的。
至於再版技術方面，這套唱片不像其他許多公司（包括 ECM !）單單是把原母帶數位化而已，它是由位於柏克萊這兒的老牌錄音室 Fantasy Studios 重新混音､剪輯並做 mastering 處理，音響效果忠於原 LP 唱片，但高頻響應比原來好得多。另外，新添的曲子中有一首可聽到 Redman 說：『我這次要吹得比較有感情一點。』。而 Jarrett 立刻回道：『Please do. God damn it.』眾人皆笑。另一首 Playaround 是四人在空檔時玩 ragtime 的錄音，很有趣。另外，老牌樂評家 Neil Tesser 的精彩解說也是難得的資料。
寶貴的創造力的汁液終於被燒成了０與一的金剛不壞之數位碟，阿彌陀佛！
重量級，雅痞樂迷不宜。
★★★★★
Miles Davis
Another Bitches Brew (Jazz Door JD1284/85)
買過 Miles 的盜版盜錄唱片的朋友就知道，很多他在歐洲演奏的實況錄音 CD，尤其是他死後大批出現的那些，都是用隨身聽或小錄音機錄的。品質差，價錢又高，令上過當的樂迷有苦說不出。
不過，不聽不知道，一聽嚇一跳：這兩張在南斯拉夫 Belgrade 的現場錄音（一九七一及七三年），其錄音效果不差於同時期在華盛頓的 The Cellar Door 的重要現場錄音專輯 Live/Evil (Columbia G30954)。雖然 bass 不太清楚，但某些方面甚至好過當時的 Columbia 錄音室製品！特別是它的臨場感，讓你覺得 Miles 現在就在你的房間裡，或者你就台前。
至於音樂內容，1971 年的那一場，正值 Miles 全盛時期，當時團中有 Keith Jarrett 大將。Jack DeJohnette 剛換下，由 Ndugu Leon Chancler 接替，另換 Funk 味道的主將 Michael Henderson 繼續司 bass。音樂風格非常接近 Live/Evil。Miles 的愛才是眾所皆知的，這裡，Miles 仍然會讓全團停下來聽 Jarrett 一人獨奏發揮。不過，Jarrett 這次沒有像他在 Live/Evil 中的 Funky Tonk 最後的那段利用一個壞掉的電鋼琴鍵而發展出的神奇的 solo 那麼精彩的發揮。可是，極佳的臨場感仍然能讓你彷彿看到頂著一大頭小捲髮的 Jarrett 弓著身子彈著加娃娃器的 Fender Rhodes 電鋼琴，而 Miles 郤在深紅的燈光下還戴著大墨鏡，拿著加娃娃器的小喇叭，在一邊專心的聽著，還有台下的東歐知識份子…
而第二張，1973 年的那場，一開始 Miles 就像一針插入黑人扭擺的屁股似的直中黑人靈魂的骨髓。能讓你不自主的跳起 funk。這時的樂隊陣容與 1975 年 Miles 退隱前最後兩張唱片 Pangaea 及 Agharta 中一樣：主力是兩支電吉他和一電貝斯。當時 Miles 的音樂靈感泉源是 Jimi Hendrix, Sly and the Family Stone, Billy Preston, James Brown 等黑人的音樂。而音樂節奏更強猛固定，更 funky 了。你聽了這個時期的作品，就會知道 Miles 一生不停的音樂革命為什麼在 1975 年就走不下去了。
這套實況非常難得的､逼真的紀錄了 Miles 在東歐的表演，而就像 Miles 自己說過的，他在國外的演奏是和在美國本土的不一樣，因為聽眾更珍惜他，他也會更認真的奏。而這時期的 Miles 樂隊，就像在大家比較熟悉的 Live/Evil 和 On the Corner 兩張唱片中捕捉到的，已經進入了黑人最純最深的內在世界…
不了解 Miles 七十年代在幹嘛的朋友，別輕易嘗試。
★★★★★
Miles Davis
Live Around the World (Warner 9 46032-2)
完全逼真的再現 Miles 最後樂隊的現場雄風。
沒有聽過 Miles 末期樂隊 (Kenny Garrett, alto sax; Foley, bass guitar) 現場演奏的朋友必聽。
聽過這個樂隊的可以慶幸地回味。
Foley 是 Miles 在晚期發掘的唯一超級天才，可特別注意他的完全像電吉他的貝斯獨奏。因為在 Miles 的最後一張 Amandla 唱片上他的長篇獨奏都給剪掉了，所以鮮為人知（可參考他自己的唱片，完全跟爵士樂無關的 "7 Years Ago..." Motown MoJaz 374637001-2）。至於 Kenny Garrett，只不過中等才能。我記得 1986 年在紐約的 Sweet Basil 聽到他給日本小喇叭手日野皓正當配角時，他完全跟不上日野的 post-bebop 風格的樂隊。
★★★★★
Merzbow (秋田昌美)
Music for Bondage Performance 2 (Extreme XCD 034)
『緊縳』 (S&M) 美學專家 Merzbow (秋田昌美) 繼九一年的 Music for Bondage Performance 第一集之後的新發表作。美學，音樂學，人耳聽力和人性忍耐度被推到極限。勝過絕大部份學院派的 musique concrete 及 electro-acoustic 類作品。
日本 noise 的另一經典作。
★★★★
Pete Namlook
AIR III (Fax PK08/116)
德國唯一的知名 ambient 音樂家 Pete Namlook (本名 Peter Kuhlmann) 的最新發表作。他的 Fax 唱片公司以兩個星期一張 CD 的速度出他自己和朋友的唱片，可想見的，音樂質量一定參差不齊。往往在幾部古董合成器前幾小時即興的錄音就可灌成一張 CD 。
不過請別因此錯估了 Fax 樂派在現代音樂中的重要地位。早期 Pete Namlook 的代表作是 Air I & II，而這最新的第三集延續了前兩張濃濃的歐陸風和強猛的中東腔調，也同樣不尋常地採用了大量的傳統非電子樂器。在某方面來說這是 ECM 樂派的正統傳承（Namlook 受 Jan Garbarek 等人影響頗深），比起當下的 ECM 末流好得太多了。
限量兩千張，欲購請早。
★★★★
Aphex Twin
The Richard James Album (WarpCD43)
Aphex Twin 十一月剛出爐的新作。以二十二美元的價錢買一張英國進口（美國版要一月才出），總共三十三分鐘的專集，是否值得？
不錯，AT 的封面越來越可怕了，這張居然勝過 I care because you do...！
我猜買了他前一張 I care because you do... 的人很多都有一種啞吧吃黃蓮之感。因為充滿了聽了耳朵會痛的聲音，但礙於他的大名又不敢批評。 而這張新的比較可聽，甚至可說是他最好聽的一張專集。
第一次聽本碟的中國人一定會被第一及四首的五聲音階嚇到了。是不是 Aphex Twin 老弟在英國的舊貨市場裡買到了一捲中國佬賣的東南亞出的盜版中國輕音樂錄音帶？細聽之後發現這些曲子的確有其內在邏輯。
這次音聲多樣，有假的輕音樂旋律，小孩的聲音，管風琴，弦樂等。較少用他著名的自製合成器，而較多利用現成的，如 Roland 的節奏器和取樣器等。這次節奏器運用脫韁地狂野，快拍子曲子仍如往日般地剛猛。然時有英國佬特有的平民及霉舊的風味，而第五首前頭居然有似 Miles 的聲音！共十首，每曲精短，不故意拖長時間。有幾首還真的是朗朗上口！
為什麼他老是可以用很原始的，近乎單聲道的錄音技巧，及一直會破裂的音軌？為什麼連學院派的保守大師 Philip Glass 都願意為一個二十多歲，滿口謊言的英國痞子配管弦樂？因為他知道，唱片公司老闆知道，你我都知道音樂界須要才，活生生的才。
★★★★★
Aphex Twin
"Girl/Boy" EP (WAP78CD)
共十五分鐘的六首狂亂機器節奏％
是否 Aphex Twin 又在藥物化學異境？
遠方郤又浮著深沉的絃樂對位＠
更有 A.T. 本人男孩般的性幻想童唱♀
此真流行電子音樂界之逸品！
（太短，唱機得放在反覆模式聽）
（註：一月出的美國版 "The Richard D. James Album" 將收錄這個小專集）
★★★★★
澤井一惠／高橋悠治
澤井一惠 plays 高橋悠治：The Wind is Calling Me Outside (Alm ALCD37)
這張唱片出了好幾年了，不過最近才注意到。
澤井一惠是著名的日本箏演奏家，常演奏現代前衛音樂曲目。在這張高橋悠治作品集裡她彈奏了十七絃低音箏，十三絃箏，瑟，和三絃。
高橋悠治是日本稍老一輩的重要前衛作曲家及鋼琴家。他的風格極特殊，不像別人那麼緊張嚴肅，恐怕只有用『閒散』來形容。他的作曲技巧多變，會嘗試各種新方法。近年他喜用電腦 algorithm 作曲，例如我九五年在東京聽到他在日德兩國電子音樂節上的新作演出，就是用一部老的 Macintosh SE/30，接上一部 Akai 取樣器，現場演奏名為『哈爾濱』的小曲。沒聽過高橋的其他作品的人，一定感覺奇怪，為什麼這樣沒有什麼內容的曲子的作者，會受到全場作曲家的鞠躬禮。
高橋的音樂總是一種美學的嘗試。表面上好像沒什麼東西，要很用心，用較長的時間，才能體會出奧妙。這兒的四首作品就是這樣，非常的淡，非常的低調。這四首曲子都是跟據詩而作的。中國人一定偏愛那首以李賀的『殘絲曲』（垂楊葉老鶯哺兒，殘絲欲斷黃蜂歸）為本而作的曲子。作曲家本人偶爾以幾乎聽不見的聲音，用日文低唸著李賀的詩句，和著瑟的五聲音階的自由浮動。頗能表達原詩之傷感。
很多東方前衛作曲家為了讓作品有自己的民族風味時，不是死守著東、西方的傳統，就是無忌憚地、粗糙地解構傳統。像高橋悠治這樣的去擁抱傳統，而又能出入自如，應該是值得我們學習的。
★★★★
Granular Synthesis
Motion Control
雖然不是唱片，但必須介紹。 GRANULAR SYNTHESIS 是奧地利的前衛 video art 二人團體。四十五分鐘長的完全視覺和聽覺的享受（或說受罪）。九六年十一月十四晚上十二點四十分演出於在舊金山 Club Townsend 舉行，由 Sound Traffic Control 主辦的 Recombinant 電子音樂節，是美國首演。 世上第一個把電腦音樂中常用的合成方法用在 video 藝術上，其聰明程度，另人嘆為觀止。視覺部份固然精彩，音樂部份也極佳。大約一百六十分貝以上的強力音響。令所有 techno 舞廳失色，比西藏低音喇叭還要夠力的中低音。褲管被音波吹得打在腿上，五臟六腑齊震，後腦杓與脊椎齊麻，眾人在心中尖叫。 有些沒準備耳塞的人冒著失聰危險捂著雙耳。這是『前衛美學樂園』的雲霄飛車。 看完了之後，有走出廣島原子彈現場之感。這是本世紀末最偉大的藝術作品。怎麼辦…聽完了… 還想再聽！
★★★★★+★
細野晴臣
Love, Peace & Trance (Epic/Sony ESCB1546)
日本 Yellow Magic Orchestra 的團員中現在最有創造力的應屬細野晴臣了。細野也是目前日本少數致力於創新 ambient 音樂的音樂家。他最近許多作品可在與 Bill Laswell 的合作專集中見到。
這張唱片（只有日本版）請來了三位日本女歌手，表現了細野在九四年左右的創作方向。這張唱片很可惜地失敗於雜亂。細野本人的曲子的輕鬆低調的 ambient 氣氛相當不錯，錄音也是典型的日本第一流。能在九四年就孕育出如此成熟的人聲 ambient 風格，的確很有先瞻性（他的三首曲子都值五顆星）。而敗筆就是那些別人（如福澤諸）寫的，傳統日本式的曲調，混在整張呢喃輕唱之聲中，顯得特別的刺耳難聽。另外，此碟中，"Love" 和 "peace" 都齊備，就是沒感覺到 "trance"。
細野不像（土反）本龍一，不須要花百分之八十的精力在自己的美好臉蛋上。因此，他近年作了許多音樂上的嘗試和突破：如 ambient dub, trip hop，和這一陣子熱衷的印度風的 ambient dub。 不過，細野的問題似乎在總是缺少一點點什麼東西，或許是性格太謙虛了吧，恐怕也就是他為什麼不能擠入世界名流的原因。
★★★
Future Sound of London
Dead Cities (Virgin CDVX2814)
Future Sound of London 自從 ISDN 專集以後，令 ambient/techno 樂迷期待已久的第一張新作。十月二十九號剛剛出版。FSOL 的老樂迷都聽得出來，這張新碟水準大大不如從前。不過第四首 We Have Explosive 節奏音響新奇，仍然值回票價（此曲被選為 Sony PlayStation 的新 game WipeOut 的配樂）。另有限量版只出一萬張，附一本近兩百頁的圖片和 Gary Cobain 的文集，值得差額。目前看來，兩年前的 Lifeforms 還是他們的顛峰作品。
★★★
Future Sound of London
My Kingdom (Astralwerks 6184)
雖然這是 Future Sound of London 為了給他們的新專集 DEAD CITIES 打前鋒的小唱片，但內容及錄音水準高過 Dead Cities 甚多。完全發揮了實力。
★★★★★
Autechre
Tri Repetae (Wax Traks)
Autechre 初出道時表現平凡，然而幾年之內兩個年輕人就能發奮好學，以極簡單的器材創造出這麼新穎的聲音，令人咋舌。這是收集了九五年的兩張小碟及今年的新作的雙碟專集。其中最精彩的是 Garbage 小唱片中的 Garbagemx36 一曲：境界奇美高亢，可稱 techno 經典作。這是坐著聽的舞曲類 (intelligent dance/ sitting music) 中最好的選擇了。
★★★★★
Storm of Drones
The Sombient Trilogy (Asphodel 0966)
電子音樂也可有深遠的意境和高度可聽性，你相信嗎？離開美國東部和歐洲那些學院派的腐爛味，和紐約那種大都會的競爭火藥味，這世界居然還有一片現代音樂的新天空！舊金山電子音樂家 Naut Humon （沒錯，這是故意與『非人類』諧音的假名）主編的這一系列的專集可說是讓大眾認識了世界各地新匯聚成的一股音樂新潮流，也是目前電子音樂最有創意的方向。主題都是 drones 就是因為音樂主要都是以各種長音相疊混成，迷幻飄渺，如在夢境，又像仙境。這是 post-avant-garde/ post-postmodern/ post-new-age/ post-ambient/ post-academic/ post-psychedelic 的藝術，直直指向人心內在的最深處。能讓你直視二十一世紀和第四度空間。不可錯過。
這是該系列的第三集，本身也是三碟一套的唱片。第一張很奇怪地收集了加拿大派的學院 electro-acoustic music，像大多數的歐洲和美東的電子音樂一般，技巧高而少有創意。顯得與整個系列的主旨不合，或許是編者個人的偏好吧。
★★★★★
Swarm of Drones
A Sombient Continuum (Asphodel 0953)
這是 Naut Humon 所編的電子音樂系列中的第二張。雙碟專集中收集了從 Steve Roach, Robert Fripp, KK Null 等知名之士，到 Gregory Lenczycki, Xopher Davidson 等尚未成名作家之作品。大部份的作品都相當精彩。 在美國西部的半地下作曲家如 Naut Humon, Gregory Lenczycki 等人的作品更是驚人的奇美。如上所述，這是一個新美學的建立。
★★★★★
Robert Rich & Lustmord
Stalker (Fathom HS11059-2)
就跟你看到的唱片封面一樣，這張專集是徹頭到尾的 dark, dark, dark ambient。Robert Rich 是 space music 的元老, Lustmord 是洛杉磯的電影配樂師。專集名是俄國導演 Tarkovsky 的名作，但是這個音樂並不能傳達那部電影的半點感覺。Robert Rich 以前也想用音樂表達 Tarkovsky 的電影，但很不成功。我看 Tarkovsky 的電影還是要配俄國自己的 Artemyev 的音樂。不過這張唱片製作用心，音響效果細緻，對追尋幽暗美學的愛樂者來說還是挺好的作品，頗能製造氣氛。如果你有失眠的毛病的話，尤其應該試試這張。
★★
進念二十面體
山海經 (華星CD02-1203)
進念二十面體是香港的前衛表演藝術團體。表演本身真是沒看頭（大家公認的），但是這張唱片還頗有可聽之處。比如那首胡風的詩，用廣東話朗誦出來的「變態少女經」，真讓人愛得要死！雖然其中有些人的作品真是胡搞，但想想，還有多少中國人像他們這樣的執著於新中國音樂的創作呢？
★★★
Sato Osamu
Transmigration (Sony SRCL3013-4)
佐藤理是日本最棒的多媒體 CD-ROM 『東腦』的作者。誰知道他也是一個極有才華，技巧高超的 Techno 作曲家。雖然 YMO 的影嚮頗深，但是個人強烈風格已完全建立。
★★★★
Tanzmusik
Sinsekai (Rising High RSN CD26)
Tanzmusik（德文舞曲之意）是較不為人知的日本 Techno 二人團。比起其他的著名日本 Techno 音樂家，如 Ken Ishii 和 Susumu Yokota ， Tanzmuzik 的音樂要高出好幾段。有幾首曲子的氣勢磅礡，近乎 Art Rock 。曲風充滿了日本人特有的歐陸味道，與一般 Techno 的曲調及和聲全都不同。全碟發揮類比式合成器的特性至極致。此碟為近年 Techno 的極品。請注意：歐洲版比日本版選的曲子好得多多。
★★★★★
Wu Man
Chinese Music for the Pipa (Nimbus NI 5368)
吳蠻，這位北京中央音樂院畢業的琵琶高材生，現在是在紐約最紅的中國音樂演奏家。這張專集裡主要是傳統琵琶獨奏曲目，如霸王卸甲，月兒高之類，但還收了一首現代作品，陳怡的『點 』。『點 』據說是用了琵琶複雜的指法技巧和秦腔中的苦音來表達楷書中永字八法的筆勢。然而曲式不夠明晰，起承轉合分不出來，用心聆聽之後仍難有什麼印象。吳蠻的琵琶彈奏穩當，有自信，對現代音樂也有難得的掌握，聽得出是非常用心的演奏家。在 Nimbus 唱片的英國音樂廳中的數位錄音相當清晰。
★★★★
Wu Man & Ensemble
Chinese Traditional & Contemporary Music (Nimbus NI 5477)
這是一張少見的在西方出版的中國傳統及現代音樂作品集。雖然有傳統曲目如十面埋伏，陽關三疊（每個琵琶家都得錄一次這幾首曲子），但真正令人注目的是三首為傳統樂器寫的現代曲。 林品晶 (Lam Bun-ching) 和周勤如的作品仍是相當典型的學院風格；林的是美國學院風，周的是大陸的學院風。只有譚盾的 C-A-G-E IV 風格新穎。這是譚盾來美後少有的老老實實，不耍噱頭的中樂作品。雖是一首即興作品，但樂團對音樂內容掌握得好，演奏得讓人幾乎聽不出來是即興。曲子淡雅又有中國味，又達到了向 John Cage 致敬的效果，真是沒話說。
★★★★
